Invictus – 2009

Siempre que Clint Eastwood estrena una película, muchos cinéfilos nos vemos en la cola del cine el día del estreno. Sin embargo, en Invictus estamos ante una obra menor, quizá ante la peor de las últimas películas de la estrella del spaguetti western, y aún así, está por encima de la media en cuanto a calidad del resto de películas que se estrenan durante el año.

La película relata la ascensión de Nelson Mandela (Morgan Freeman) al poder, y cómo intenta moldear la conciencia de negros y blancos para que haya una coexistencia pacífica. Comenzará por mantener al personal del ejecutivo, pero acabará con la publicidad de la selección de rugby de Suráfrica, liderada por el capitán Francois Pienaar (Matt Damon). Para su cometido, Mandela invita primero a Pienaar a tomar el té a su despacho, y luego irá manteniendo una relación con el capitán de la selección que le dará ánimo para intentar ganar el Mundial de Rugby de 1995.

El pésimo equipo de rugby de Suráfrica compuesto casi exclusivamente de blancos a favor del apartheid, que llevan los colores de la bandera del apartheid, y que todos los negros odian se llaman a si mismos los Springboks. Sin embargo, después de salir de gira para conseguir el apoyo de las clases más bajas, compuestas casi exclusivamente de negros fanáticos del fútbol, la selección será apoyada por todas las clases sociales en una de las mejores finales que se han visto en muchos años en este deporte.

Sin embargo, se nota que Clint Eastwood no conoce muy bien este deporte, y tan sólo nos muestra como escenas de interés deportístico las melés y los placajes antideportivos, cuando un partido de rugby es mucho más hombres gigantes chocando unos contra otros. Por no hablar ya de cómo unos jugadores de rugby racistas cambian de parecer de la noche a la mañana sobre cantar o no el nuevo himno del país. Y como colofón, me gustaría comentar que la Haka tradicional de los All Blacks antes de los partidos la lidera un maorí, no un jugador de ascendencia europea tal y como se ve en la película, por no hablar de la pésima forma de rodar la haka (mucha gente en el cine se rió de la danza, algo que me parece deleznable).

En resumen, toda una decepción para los fans de Clint Eastwood, todo un regalo de entretenimiento para las masas, que no tienen ni idea de rugby ni de las películas buenas del director.

Up in the air – 2009

¿Conocéis a alguien que se gane la vida despidiendo gente? ¿Alguien que se recorra un país como EE.UU. durante 340 días al año con ese trabajo? Yo no, pero no creo que sea como George Clooney. Él interpreta a Ryan Bingham, uno de los hombres de una consultora que se dedica a hacer algo que los directivos de las empresas no quieren: despedir a sus mandos intermedios. Ryan se dedica a dar un pequeño discurso y a ofrecer una carpeta en donde parece que estarán todas las respuestas a las preguntas de los despedidos.

Sin embargo, todo puede cambiar cuando contratan en la empresa a la psicóloga llamada Natalie Keener (Anna Kendrick), que cree que para ahorrar costes la empresa debería despedir a los trabajadores vía internet, a través de una webcam. Por supuesto, Ryan Bingham está en contra, no sólo porque detesta quedarse en tierra y no viajar, sino porque a esa gente que deben despedir necesitan el contacto físico cara a cara, de un modo de consuelo.

Para enseñarle lo que realmente se debe hacer, Ryan se lleva a Natalie de viaje con él, mostrándole cómo hace él su trabajo, y cómo mediante una videoconferencia no se puede despedir a gente. Y así transcurre la película, entre viajes y viajes, un romance entre Ryan y Alex (Vera Farmiga), una mujer que parece ser como él, y entre discursitos de cómo es mucho mejor no tener relaciones personales y objetos propios para poder moverse de un sitio a otro.

Pese a ser bastante predecible, la película en si misma es bastante entretenida y políticamente correcta, mostrándonos cómo las grandes compañías dejan de lado su integridad y le encargan a otros lo que ellos no son capaces de hacer: despedir a sus propios trabajadores, esos trabajadores que han dado todo por la empresa durante años.

Pese a lo que han dicho varias críticas desde el estreno de la película en Estados Unidos, la actuación de George Clooney no me parece lo más destacable del filme, y no creo que sea una interpretación fuera de la norma, sino una aparición correcta, ya que el personaje parece hecho para él.

Nota: 7 sobre 10

Arsénico por compasión (1944)

Qué podría decir de Arsénico por compasión. Es una de mis películas preferidas de todos los tiempos y una de esas películas que no te cansas de ver, aparte de otra de esas obras maestras de Frank Capra. Basada en la obra de teatro del mismo nombre (una obra que por cierto sigue teniendo muchísimo éxito), cuenta las aventuras y desventuras de Mortimer Brewster (Cary Grant) en la casa de sus tías.

Al principio de la película nos presentan a Mortimer, un escritor que se ha hecho famoso escribiendo contra el matrimonio, en la cola del juzgado para casarse con Elaine (Priscilla Lane).  Con algunos problemillas consigue casarse, y va directo a comunicárselo a sus tías: Abby (Josephine Hull) y Martha (Jean Adair), que viven en una de las casas de uno de los barrios más tranquilos de Nueva York. Sin embargo, algo le ocurre a Morty mientras espera a que sus tías le sirvan una poción de tarta.

Ficha de El buscavidas

Título original: The Hustler
Otros títulos:
Director: Robert Rossen
País: Estados Unidos
Guión: Robert Rossen y Sidney Carroll sobre la novela de Walter Tevis
Música: Kenyon Hopkins
Fotografía: Eugene Shuftan
Fecha de estreno en Estados Unidos: 25 de septiembre de 1961
Fecha de estreno en España: 9 de noviembre de 1963
Premios: Oscars a la mejor fotografía y dirección artística en blanco y negro. Además estuvo nominada a las categorías de mejor película, director, actor principal (Paul Newman), actriz principal (Piper Laurie), actor secundario (George C. Scott y Jackie Gleason) y mejor guión adaptado. BAFTAs a la mejor película y al mejor actor extranjero (Paul Newman), además de la nominación de Piper Laurie a la mejor actriz extranjera. Nominaciones a los Globos de Oro a las categorías de película de drama y actor secundario (Jackie Gleason y George C. Scott). Premio al mejor actor para Paul Newman en el Festival Mar de Plata de 1962. Premio al mejor guión adaptado de Writers Guild of America.

Reparto:
Paul Newman como Eddie Felson
Jackie Gleason como El Gordo de Minnesota
George C. Scott como Bert Gordon
Piper Laurie como Sarah Packard
Myron McCormick como Charlie Burns
Murray Hamilton como Findley
Vincent Gardenia como Barman
Michael Constantine como Big John
Jake LaMotta como Barman

Imágenes | Reseña

Arrástrame al infierno (Drag me to hell) – 2009

Quien haya sido fan del gore o de las películas de zombies sabe que a Sam Raimi se le da genial mezclar el sentido del humor con las películas de miedo, sobre todo gracias a su trilogía de Evil Dead (Posesión infernal, Terroríficamente muertos y El ejército de las tinieblas). En Arrástrame al infierno vuelve a hacer de las suyas a través de una historia de maldiciones y supersticiones tras los ojos de una chica que intenta mejorar en el trabajo.

Alison Lohman interpreta a Christine Brown, una chica trabaja en un banco de préstamos en el que hay una vacante de subdirector a la que ella opta. Sin embargo, su “rival”, Stu (Reggie Lee), intenta hacerle la pelota al jefe para que el puesto se lo den a él. Christine sabe que debe ser más dura cuando le piden préstamos, y eso es lo que sucede justo cuando entra en escena la gran Lorna Raver en su papel de Sylvia Ganush, una anciana que pide un aplazamiento de su tercera hipoteca.

Por supuesto, Christine se lo niega, lo que conlleva a que a la salida del trabajo, la señora Ganush empiece a pelear con Christine en su coche, en una de las mejores escenas de la película. A partir de ahí, Christine comenzará a experimentar toda una serie de fenómenos extraños que son producidos por una maldición, aunque su novio Clay (Justin Long) no le haga mucho caso.

Película para un público de mente abierta en esto del terror, para aquellos que saben apreciar el cine del que proviene Sam Raimi, ese que mezcla el miedo con el terror más oscuro y con el tono humorístico que lo caracteriza.

Nota: 6 sobre 10.

Moon – 2009

¿Por qué una productora como Sony no querría que una película suya tuviese éxito? Porque es lo que ocurre con Moon. Junto con Malditos bastardos es una de las películas del año pasado, por no decir la mejor. La actuación de Sam Rockwell es merecedora de todo tipo de premios. Y, sin embargo, la Sony ni siquiera la distribuye lo suficiente para tener una buena recaudación, y ya no digamos lo que ocurre con los Oscars, ya que la productora ha boicoteado su propia película, que no puede optar a ningún premio.

Quizás Moon sea la nueva película de culto de las nuevas generaciones. El caso es que a mí me ha enganchado desde el minuto uno, con un guión cuidadísimo de Duncan Jones y Nathan Parker, y bajo la dirección del primero, logrando una atmósfera extraña alrededor del protagonista, Sam Bell (Sam Rockwell). Desde el principio vemos a Sam hablando con Gerty (Kevin Spacey), el robot que controla la base lunar en la que ya casi lleva tres años Sam. Es una base en la cara oscura de la luna en la que gracias a él, en La Tierra pueden tener energía limpia bajo unos costes ínfimos.

Sin embargo, ya casi al principio vemos que Sam tiene un accidente y es recogido por otro Sam. El segundo Sam se da cuenta entonces de que es un clon, y a partir de ahí vemos la evolución del viejo Sam y el nuevo, y cómo cada uno se adapta a lo que va viendo.

La fotografía y la música son otros de los puntos fuertes de la película aunque, vista ahora con la distancia, he de decir que no he encontrado ningún punto débil, y por eso he de darle la nota más alta de todas, porque es una de las mejores películas que se han hecho en los últimos años y por la dificultad de hacer una buena película con una historia de ciencia ficción.

Nota: 10 sobre 10.

Sherlock Holmes – 2009

Arthur Conan Doyle dio a la literatura uno de los personajes más versioneados en el cine: Sherlock Holmes. Sin embargo, Guy Ritchie nos devuelve una mirada muchísimo más fiel a los libros que las antecesoras a la película que podemos encontrar en los cines. Holmes toca el violín, comparte edificio con Watson (que también hace labores de médico controlando que Holmes no se sobrepase con sus experimentos en propia carne), lucha en peleas por el mero hecho de divertirse, tiene un gran dominio de un arte marcial inglesa llamada baritsu (una especie de esgrima con palo) y aparece por la película aquella fémina que en los libros Sherlock denominaba “la mujer”, es decir, Irene Adler (Rachel McAdams). Por supuesto, Sherlock hace las labores de investigación con increíbles dotes para la deducción y Watson lo sigue aunque a regañadientes.

Me hace gracia que en toda la película no se escuche el pesadísimo “elemental, querido Watson”, ya que en las novelas, tal y como pone en Wikipedia, tan sólo se dice una vez. Holmes solía decir eso de “querido Watson”, pero sin el “elemental”.

En fin, hablando de la película, tanto Holmes como Watson (Robert Downey Jr. y Jude Law) detienen a Lord Blackwood (Mark Strong) mientras hacía un rito demoníaco o algo así. Tras varios meses de espera, es condenado a la horca, pero tras su muerte comienza a haber una serie de asesinatos que parecen ser obra del Lord. Los dos amigos protagonistas investigarán todas y cada una de las pistas mientras Watson intenta irse a vivir con su prometida y Holmes intenta que Watson le siga a sus misiones.

Es imposible decir algo más del argumento sin caer en el temido spoiler, así que tan sólo diré que la película es muy divertida, que las explosiones que veíamos en el tráiler no ocupan ni el 10% del filme (que por cierto, dura casi 130 minutos), que la relación entre Jude Law y Robert Downey Jr. es de dos amigos dentro de la pantalla, pero que su complicidad es tal que no me extrañaría que fuesen muy amigos fuera de ella, y que es muy recomendable para todos los públicos.

El comienzo me recordó mucho a la primera película de Guy Ritchie, Lock, Stock & two smocking barrels, aunque el resto de la película se aleja bastante de ella, de Snatch y de Rocknrolla, por lo que contentará a todo aquel que tenga una mente abierta para la comedia. Sólo me queda por comentar que me gustaría haberla visto en versión original.

Nota: 7 sobre 10.

Ficha de Arsénico por compasión

Título original: Arsenic and old lace
Otros títulos: Arsen und Spitzenhäubchen (Austria / Alemania Occidental), Arsenic et vieilles dentelles (título francés en Bélgica / Francia), Arsénico y encaje antiguo (Argentina), Arsen und alte Spitzen (Austria), Arsenico e vecchi merletti (Italia), Arsenicum en oude kant (título flamenco en Bélgica), Arsenik kurbanlari (Turquía), Arsenik och gamla spetsar (Suecia), Arsenik og gamle kniplinger (Dinamarca), Arsenikkia ja vanhoja pitsejä (Finlandia), Arseniko kai palia dantella (Grecia), Arszenik i stare koronki (Polonia), Arzén és levendula (Hungría), Dokuyaku to rôjô (Japón), Esse Mundo É um Hospício (Brasil), Frank Capra’s ‘Arsenic and Old Lace’ (título completo en EE.UU.), O Mundo É Um Manicómio (Portugal).
Director: Frank Capra
País: Estados Unidos
Guión: Julius J. Epstein y Philip G. Epstein sobre la obra de teatro de Joseph Kesselring.
Música: Max Steiner
Fotografía: Sol Polito
Fecha de estreno en Estados Unidos: 23 de septiembre de 1944
Fecha de estreno en España: –
Premios: –

Reparto:
Cary Grant como Mortimer Brewster
Priscilla Lane como Elaine Harper
Peter Lorre como Dr. Einstein
Raymond Massey como Jonathan Brewster
Josephine Hull como Abby Brewster
Jean Adair como Martha Brewster
Jack Carson como O’Hara
Edward Everett Horton como Mr. Witherspoon
John Alexander como ‘Teddy Roosevelt’ Brewster

Imágenes | Reseña

Historias de Filadelfia (1940)

Antes de que Mankiewicz pudiese dirigir sus propios guiones por estar sometido a la Metro, el director de Eva al desnudo produjo un buen puñado de películas de la compañía, y entre ellas una de las películas más recordadas de George Cukor: Historias de Filadelfia.

Muchos recuerdan ya la primera escena en la que se nos presentan dos de los personajes principales: a Tracy Lord (Katharine Hepburn) y a Dexter Haven (Cary Grant), en donde podemos ya ver que Tracy es una mujer de armas tomar, que echa a su propio marido de casa, y que la personalidad de Dexter será una oda a las películas del propio Cary Grant:

Eva al desnudo (1950)

Considero Eva al desnudo una de las mejores películas de actores de toda la historia del cine. La mano de Joseph L. Mankiewicz, que la escribió y dirigió, está presente en todo el metraje del filme. Catorce nominaciones a los Oscars avalan esta teoría. En la ficha técnica de Eva al desnudo podéis ver más detenidamente las nominaciones.

La película comienza con Eva (Anne Baxter) recogiendo un premio de interpretación en teatro. Sin embargo, la historia es la de cómo Eva ha llegado a ser desde una chica que no conoce nadie a una de las actrices de teatro más queridas y cotizadas. Al principio, Eva se presenta como una fan incondicional de Margo Channing (Bette Davis). Presentada por Karen (Celeste Holm), entra en el camerino de Margo como una fanática del teatro en general y de la actriz principal en particular.

Como resultado de la presentación, Eva terminará trabajando como ayudante de Margo. Sin embargo, poco a poco Eva va adueñándose de la vida de Margo, aprovechándose de su popularidad y de sus relaciones con las estrellas del teatro, sobre todo a base de mentiras. La manipulación de Eva se basa en el hastío de Margo hacia todo lo que ha conseguido.